Некоторые аспекты живописи

[Волосков]

С чего началось Высокое итальянское возрождение в живописи



ОДИН АНГЕЛ

Александр Волосков

В юности, имея много свободного времени, любознательность и тягу к прекрасному, не обходил вниманием шедевры живописи и скульптуры, выставленные в наших советских музеях. Восторгался масштабностью и композицией картины «Явление Христа народу», Александра Андреевича Иванова в Третьяковской галерее. Дивился необычной реалистичности света в «Лунная ночь на Днепре» Архипа Ивановича Куинджи в Русском музее, даже пытался заглянуть за полотно, рассчитывая увидеть источник освещения. Вместе с тем не разделял восторга посетителей от «Артаксеркс, Аман и Эсфирь», почитаемого голландца 17-го века Рембранта, выставленного в Музее изобразительных искусств им. Пушкина. Это к тому, что достаточно давно составил какое то своё представление о художественных достоинствах мастеров прошлого, в живописи, скульптуре и архитектуре. Мог более-менее аргументированно отстаивать своё видение прекрасного, при условии, что мой оппонент не является выпускником факультета искусствоведения Академии изящных искусств.

Убеждённость в своих знаниях, оценке и подходе к затронутой нами области художественного человеческого творчества, существовала достаточно долго, до вполне зрелого возраста, пока мне не попала в руки книга Льва Дмитриевича Любимова «Искусство Западной Европы». Кстати, надо признаться, это не научный трактат, а скорее издание для широкой публики, не отягощённой знаниями изобразительных таинств. Изучая упомянутое издание и дойдя до периода кватроченто итальянского Возрождения, я буквально наткнулся на одну картину Андреа Вероккио, которая основательно пошатнула мою уверенность в собственной компетентности. Картина хранится в галерее Уффици во Флоренции. Но об этой галерее отдельно.

Все самые известные, именитые и грандиозные, по количеству экспонатов, музеи мира обычно вполне заслуженно гордятся одним-двумя своими шедеврами, сотворённые гениями или облечённые особой исторической ценностью. Так например основной изюминкой Дрезденской галереи является картина Рафаэля Санти «Сикстинская мадонна», ну может быть к ней ещё по значимости и совершенству приближается «Динарий цесаря» Тициана Вечеллио. Или знаменитый шедевр Лувра – «Мона Лиза» Леонардо да Винчи. Или того же гения живописи «Мадонна Бенуа» и «Мадонна Литта» в нашем Эрмитаже. Все остальные картины в этих музеях, по своем достоинствам и художественной весомости, заметно им уступают. А вот в галерее Уффици, весьма скромной по количеству экспонатов, по сравнению с упомянутыми гигантами от изобразительного искусства, картин высочайшего уровня около пятидесяти! Это в первую очередь «Поклонение волхвов» и «Благовещение» Леонардо, «Автопортрет» Рафаэля, «Венера Урбинская» Тициана, «Рождение Венеры», «Весна» и «Клевета» Ботичелли, а также бессмертные работы Джотто, Джорджоне, Уччелло, Чимабуэ и других.

Факту возникновению самой галереи, нельзя не отдать должное роду Медичи, в течение двух столетий возглавлявших Флоренцию. Их семейная коллекция и составила основу галереи. Кстати дом Медичи дал четырёх Римских пап и двух королев Франции. А заказы этой семьи легли в основу наивысшего расцвета Флорентийского Ренессанса.

Но вернёмся к Андреа Вероккио и его картине «Крещение Христа»(дерево, темпера, масло), которая меня ... растоптала. Картина, на фоне природы речки Иордан изображает четыре фигуры: Иоанна-Крестителя, Иисуса Христа и двух коленопреклонённых ангелов. Всё произведение, за исключением одного ангела выполнена Вероккио, выдающимся живописцем, скульптором, гравёром и ювелиром раннего Итальянского Возрождения. По недостатку времени и дабы побыстрее закончить растянувшуюся по продолжительности работу, мэтр живописи одного ангела поручил изобразить своему ученику Леонардо. Что из этого получилось? Здесь уместно привести слова Л.Д.Любимова, потому как лучше его не скажешь:

«... фигура написанная Леонардо, знаменовала как бы переход в новое, неведомое его учителю качество, ибо она действительно детище иного, нового мира – того самого, которому суждено было проявиться в полном блеске и силе лишь через несколько десятилетий.
Этот ангел, такой естественный в своём совершенном изяществе, такой пленительный в своей одухотворённости, такой грациозный в своём коленопреклонении и повороте головы, со взглядом лучистым и глубоким, - уже творение не Раннего, а Высокого Возрождения, то есть подлинного золотого века итальянского искусства. Только он на этой картине не кажется вырезанным из какого-то сухого, жесткого материала. Только его фигура естественно обволакивается светотенью.»



По свидетельству Джорджо Вазари, основоположника современного искусствоведения, Андреа Вероккио, увидев ангела в исполнении своего ученика Леонардо да Винчи, никогда больше не хотел прикасаться к живописи, считая обидным, что у мальчика больше мастерства нежели у него самого.

Внимательно перечитав строки Любимова в отношении первого, яркого ростка Высокого итальянского Возрождения, я внимательно всмотрелся в фигуры ангелов на иллюстрации книги, но ... не впечатлился. Перешел к увеличенному фрагменту картины, на котором изображены только ангелы, подробно изучил их, опять не увидел никакой разительной разницы. Подумал, и придя к выводу, что по книжной иллюстрации, из-за сомнительного качества, судить трудно, успокоился и забыл.

Спустя десять лет посчастливилось попасть во Флоренцию. Естественно основным объектом посещения оказалась галерея Уффицы. Моё знакомство с оригиналом картины «Крещение Христа» походило на ужимки школьника у кривого зеркала. Я её рассматривал со всех ракурсов: вблизи и издали, с боку и с низу, задёргивал и открывал шторы, включал и выключал свет, обнюхивал и облизывал до тех пор, пока не сработала сигнализация и не прибежала охрана. С трудом, но удалось убедить стражей искусства, что это невинная случайность. Больше я ничего не смотрел и выходил из галереи опустошённый и посрамлённый. Фигуры ангелов, в моём понимании были выполнены с одинаковым мастерством и совершенством. С тех пор к живописи я охладел, видимо через потерю веры в себя. Больше интересуюсь скульптурой и архитектурой.

Но видимо из-за природной вредности, заинтересовался сюжетом «побившей» меня картины. Поэтому задаюсь вопросом, как мог Иоанн-Креститель-Предтеча крестить Иисуса Христа в его же христову веру?
Иоанн: «Мне надо креститься от Тебя, и Ты ли приходишь ко мне?»
Иисус: «Оставь теперь, ибо так надлежит нам исполнить всякую правду." МАТФЕЯ 3:11-17

P.S. Просьба к возможному читателю – внимательно взглянуть на прилагаемую к тексту иллюстрацию и определить, какой из ангелов известил Флоренцию о появлении нового гения живописи? Имеются ли у меня коллеги, или я один такой ... прямо скажем лопух?

Вильнюс, 26 января 2015 года.

[Волосков]

Искусство, живопись, принадлежит народу ... или художникам?



Стиль живописи, или о вкусах ... спорят?

Александр Волосков

Лет пять назад, гуляя по Старому городу, обратил внимание на афишу, извещавшую о проходящей выставке Современного искусства. Поскольку плата за вход оказалась весьма умеренной, а моя тяга к прекрасному никогда не угасала, решил заглянуть, чисто из любопытства. Хотя ... задолго до этого пришлось усомниться в своих способностях воспринимать и оценивать живопись(См. рассказ «Один ангел» http://www.proza.ru/2015/01/26/1566 ).

Через сорок минут я выскочил из Дворца выставок как ошпаренный. Очень жалко было тех нескольких уплаченных литов за билет и потраченного времени. Чтобы охарактеризовать экспозицию, представленную в виде якобы картин и якобы скульптур, моего обширного запаса армейских и производственных матюков, явно не хватало. Поэтому характеризовать экспонаты не буду, дабы не перейти на ненормативную лексику. Замечу только, что в своих оценках и восприятии увиденного, я был не одинок. По залам передвигались несколько десятков посетителей с видом людей, долбанутых пыльным мешком из-за угла. В их взглядах явственно ощущалась растеряннось, помноженная на отвращение к увиденному, а также полная утрата остатков оптимизма.

За несколько лет до этого, в этих же помещениях пришлось лицезреть выставку картин - дипломных работ выпускников Академии художеств Литвы. К моему большому разочарованию, по стилю живописи преобладала безвекторная абстракция, к коей я отношу и: примитивизм, кубофутуризм, пуантилизм, вортицизм, информализм, да прочий «анахренизм». А безвекторная, потому, что по картине даже невозможно определить к какому жанру она относится – то ли это пейзаж, портрет, натюрморт или что-то ещё. По технике исполнения преобладало масло – как в известном сериале, устами Давида Марковича Гоцмана: «картина маслом».

Уныло бродил я по залам, завешанными разноцветной мазнёй, пока не наткнулся на тщательно выполненный мелкОвой пастелью портрет старушки. По своей выразительности и цветовым решениям, работа не уступала портретам самого Александра Шилова. От увиденного я взбодрился и заряженный оптимизмом устремился дальше. Но ... во всей экспозиции порадовать меня смог ещё только один рисунок выполненный карандашом.
Работа представляла из себя групповой трёх-плановый портрет в стиле реализма-импрессионизма. Поражал подход к исполнению деталей – лиц, поз, движений. Они были достойны работы Альбрехта Дюрера «Руки молящегося», по своей естественности и мастерству.



На переднем плане рисунка девочка за столом учит уроки, далее, за окном, в лёгкой дымке, на летней веранде женщина готовит обед. На последнем, третьем плане, через насквозь открытые двери виден, озарённый полуденным солнцем, мальчонка играющий во дворе с мячом. И все виды не искажены и естественны, почти как на фотографии, только с большей выразительностью.

Радость от встречи, среди абстрактной мазни, с двумя мастерски выполненными работами омрачил такой факт. Под некоторыми картинами, кроме названия и имени автора, красовались извещения о том, что эти произведения отмечены дипломами разных степеней Художественного совета Академии, за: художественную композицию, цветовое решение, выразительность, оригинальность и так далее. Но ... обнаруженные мною две работы, заслуживающие наивысшей похвалы, не были вообще удостоены внимания Худсовета! Бог им судья.
Хочу только отметить, что изображение в живописи, окружающего нас мира, имеет по возрастающей три ступени сложности: архитектура, природа, человек. Но авторитеты от искусства Академии посчитали, что небрежно испачкать холст красками и придумать этой несуразице название – заслуживает похвалы, а мастерски изобразить человека – пастельный портрет старушки в академическом стиле и групповой карандашный портрет в стиле импрессионизма – это ничто! Грустно как то становится от этого.

По теме вспомнилась Третьяковская галерея 70-х годов. В первых тридцати залах, заполненных картинами старых мастеров полно людей. Многие надолго задерживаются у некоторых произведений, пытаясь насладиться выраженным на холсте. В следующих же залах, стены которых «украшают» перлы примитивизма и абстракции – никого.
В этой связи совершенно согласен с мнением В.И.Ленина: «Искусство принадлежит народу. ... оно должно быть понято … массами и любимо ими». Правда наркомпросвет А.В Луначарский пошёл ещё дальше: « ... культурное наследие прошлого принадлежит пролетариату и только ему». С этим можно поспорить, но автор статьи никогда не согласится с выражением «искусство ради искусства»(мадам де Сталь). Уверен, что движение в этом направлении ведёт в тупик, в котором видимо очень хочет оказаться Художественный совет Академии художеств Литвы.

По условиям публикаций в проза.ру, автор не может широко проиллюстрировать своё мнение множеством картин разных художников. Поэтому возьмём только две из них, причём портретного жанра, как наиболее выразительного. Первая работа Александра Шилова «Митрополит Филарет»(1987), вторая ... трудно назвать что – Сергея Федотова «Валентин Рябов».

На портрете А.Шилова изображён Феодор Никитич Романов-Юрьев, отец первого царя дома Романовых - Михаила. Боярин и воевода, по злой воле Бориса Годунова, видевшего в нём соперника, постриженный в монашество под именем Филарета. Но обладая ясным умом, высокой по тем временам образованностью и открытым сердечным нравом, он и здесь добился максимальных высот, становясь последовательно епископом, митрополитом и наконец патриархом.
Его изумительно выписанный портрет отражает во взгляде мудрость и решительность, в наклоне головы непоколебимую волю, во всей личине высокое достоинство. Кроме этого художнику удалось кистью передать облик очень красивого и мужественного человека.

А что же мы видим у С.Федотова, кстати тоже холст, тоже масло и тоже портрет? Моего художественного восприятия никак не хватает, чтобы оценить эту работу. Удивляет другое – у таких «художников» есть сторонники и почитатели. Они где-то выставляются и их кто-то смотрит, даже разглядывает, мало того оценивает! Приведу высказывания только двух почитателей манеры письма Федотова: «Настолько качественную живопись я еще не встречал. Она просто идеальна в моем понимании.»(некто Максим), «Потрясающие работы Сергея - это просто индикатор для проявления вкуса или безвкусицы и мещанской пошлости. Кто не видит в этих работах красоты - тот художественно слеп или не образован.»(некто Антонина).

Сразу признАюсь читателю в своей безвкусице, мещанской пошлости и художественной необразованности. Что ещё меня несказанно удивляет в этом портрете – это отношение к нему изображённого Валентина Рябова. Я бы на его месте подал в суд на художника за карикатуру. Ан нет. Рябов - владелец Картинной галереи современного искусства(Москва, ул.Минская дом 1Г, корп.1). И этот портрет выставлен именно там.

Несколько слов о личностях авторов портретов, наших современников:
Александр Максович Шилов(1943 Москва) - советский и российский художник-живописец и график, мастер портрета. Академик РАХ, народный художник СССР. Образование - МГАХИ им. В.И.Сурикова. Почитатель и последователь реализма К.П.Брюллова. Вот только одно высказывание о нём из Энциклопедии русской живописи: «Художник просто творит чудеса. Своей волшебной кистью он заставляет глаза говорить, превращает краски в шелк, бархат, мех, дерево, золото, жемчуг... Его портреты живут!»
Сергей Геннадьевич Федотов(1968 Москва) – абстракционист, свободный художник. Образование – Физический факультет МГУ. Отношение к заслугам: Звания и награды красят военных и унижают художников ...

В ряд с А.Шиловым, из наших современников – художников-портретистов, я бы ещё поставил Илью Сергеевича Глазунова(1930 Ленинград), ректора Всероссийской академии живописи, ваяния и зодчества. А также, с некоторыми оговорками, весьма ныне популярного Никаса Сафронова(1956 Ульяновск). Оговорки, по моему мнению, вызваны влиянием на портретиста Вильнюсской академии художеств, в которой Никас обучался в 1978-1982 годах на факультете дизайна. Видимо под влиянием этой академии художник опустился до раскрашивания фотографий масляными красками. Из-за чего вокруг работ Сафронова в 2002 году разгорелся скандал.

И в заключении хочу заметить, что настоящая статья адресована не только читателю, способному отличить импрессионизм от экспрессионизма или академизм от классицизма, а скорее к желающим познать это.

Вильнюс, 13 января 2016 года.

[Волосков]

Давид, сотворённый ... Духом Святым!

Александр Волосков

БИБЛИЯ

Прежде чем описывать достоинства скульптуры, резца Микеланджело Буанарроти, как художественный шедевр, необходимо знать о самой личности, запечатлённой в куске мрамора.
Что касается Давида, то широкому читателю, как правило известен только один эпизод из жизни героя – это схватка с филистимлянином Голиафом. Где Давид, юноша-пастух, пришедший в израильское войско навестить своих братьев, принял вызов великана и поразил того пращой.

Но предпосылка к восхождению Давида к вершинам власти и популярности началась раньше, а именно – с помазанием его Богом, как будущего царя Израиля. И тут нужно заметить, что Творец, из великого множества кандидатур, свой выбор остановил именно на никому неизвестном молодом пастухе: «... и помазал его среди братьев его, и почивал Дух Господень на Давиде с того дня и после;»(1Цар. 16:12).

Кроме помазания, Бог наградил Давида ещё одним достоинством – быть прародителем Мессии, то есть Иисуса Христа. «Вот, наступят дни, — сказал Господь, — когда взращу Я Давиду праведного потомка, и будет он царствовать, и будет мудр и удачлив, и будет вершить суд и правду на земле. ... и вот имя его, которым назовут его: Господь — справедливость наша.» (Иер.23:5)

Много пришлось Давиду преодолеть трудностей и испытаний, пока старейшины в Хевроне не избрали его царём над всем Израилем. Давиду удалось вернуть ковчег завета и поместить его в скинию на горе Сион, захватить Иерусалим и перенести туда столицу своего государства, сделав его сакральным иудейским центром. Но проведя религиозную реформу, тем не менее подчинил духовную власть светской. Кроме этого расширил границы своего государства, завоевав Моав и арамейскую территорию Сирии, чем обеспечил Израилю пространство земли обетованной. Не обошёл вниманием Давид и государственное устройство, судебную систему, организацию и управление войсками.

Но был на Давиде и большой грех. Он соблазнил Вирсавию, жену одного из своих военно начальников, а её мужа послал в бой на верную смерть. Бог простил Давиду этот грех и даже позволил Вирсавии родить ему сына Соломона – будущего царя, при котором Израиль достиг наивысшего расцвета.

Давид умер в возрасте 70 лет, после 40 лет царствования и был погребён в Иерусалиме на горе Сион, где согласно христианскому преданию проходила Тайная вечеря. Господь не ошибся в своём избраннике, потому что «Давид делал угодное пред Его очами и не отступал от всего того, что Он заповедал ему, во все дни жизни своей, кроме» ... но о Вирсавии мы уже говорили.

СТАТУЯ

Мало кто, будучи в Музее изобразительных искусств им. А.С.Пушкина, обходил вниманием центральный объект зала 15 «Итальянский дворик». Да и не заметить шедевр Высокого возрождения невозможно из-за своей выразительности и размеров – белый итальянский мрамор, более пяти метров в высоту, вес 6 тонн. Но это лишь копия, оригинал укрыт от воздействий природы на родине, во Флоренции, в Академии изящных искусств.

В 1501 году, молодой, 26-летний скульптор Микеланджело, получил заказ вполне заслуженно. Против его кандидатуры не возражал даже признанный мэтр живописи 49-летний Леонардо да Винчи. Молодому творцу предстояло из уже подпорченной непогодой и предыдущим скульптором(Агостино) гигантской глыбы мрамора создать образ старозаветного библейского царя. Работа заняла три года.

До этого, все изображения Давида, как в живописи, так и в скульптуре показывали героя после совершения им подвига. А Микеланджело преподнёс юношу готовящегося к схватке, используя максимальную выразительность воли и чувств Давида. Учитывая более чем пятиметровую высоту скульптуры, ваятель сознательно исказил её пропорции. Сделано это было для зрителя, стоящего перед ней и взирающего на неё с низу, которому фигура представлялась бы идеальной.
Но художник согрешил против библейской истины, изобразив Давида не обрезанным. Поэтому до сих пор израильтяне к скульптуре относятся скептически и даже не приняли в дар её копию.

Тем не менее современник скульптора и историограф эпохи итальянского Возрождения, Джорджо Вазари, признал этот шедевр эталоном мужской красоты. Другой современник Микеланджело, римский папа Юлий Второй, узнав о скульптуре пожелал на неё взглянуть. Сам католический понтифик слыл воином, большим ценителем искусства и меценатом. Папа долго ходил вокруг скульптуры, внимательно вглядывался, изредка останавливая свой взор на какой-то детали, и наконец изрёк:
- Это творение не мог свершить смертный ... если только его резцом не водил Дух Святой. – после этого прикоснулся к скульптуре, попридержал руку и добавил, - Так и есть!

Художественный язык скульптуры «Давид» отличается ясностью и простотой: выразительный силуэт, четкий контур, ясные членения, отсутствие противоречивых элементов в трактовке движения и в скульптурной моделировке — все служит максимально отчетливому выражению основы образа — концентрированной целеустремленной воли. Но прекрасное лицо юноши полно гнева, взор грозно устремлен на врага, рука сжимает пращу. Невиданная дотоле концентрация волевого напряжения, сообщает образу героя грозную, устрашающую силу, которую современники обозначали словом terribilita.

Давид стоит в спокойной позе, но в его фигуре ощущается внутреннее напряжение, а в лице – гнев и несгибаемая воля. Титанизм героя, его совершенная красота одухотворена грозной силой Духа, огненным, устрашающим темпераментом.
Давид Микеланджело – самый героический образ не только в искусстве Возрождения, но возможно, и во всей истории мирового искусства.

Вильнюс, 28 декабря 2015 года.

[Волосков]

/][/

Главный символ США

Александр Волосков

В устье реки Гудзон, на необитаемом острове Свободы, находится самая известная в мире статуя олицетворяющая Америку, точнее США. Первоначальное название скульптуры «Свобода, несущая свет миру». Сейчас, оригинальное название – Liberty Enlightening the World – что дословно означает «Свобода Озаряющая Мир».
Рассмотрим же её подробнее.
Сама идея создания статуи-подарка родилась во Франции, как презент США в честь столетия провозглашения американской независимости. Тут нужно подчеркнуть – независимость от Британской короны. А так как Великобритания многовековой соперник Франции, то любая попытка скомпрометировать противника приветствуется, пусть даже в виде подарка.

Автор статуи - талантливый скульптор и архитектор Фредерик Бартольди. Примечательно, что за год до столетнего юбилея, по поводу которого создавалась статуя, скульптор вступил в масонскую ложу.



Присмотримся более внимательно к монументу. На огромном массивном основании, бывшем оборонительном сооружении форта Вуд, установлен пьедестал, на котором возвышается фигура женщины с суровым лицом, держащая в левой руке скрижаль с начертанной датой: «4 июля 1776»(День принятия Декларации независимости США), причём римскими цифрами. У женщины в правой руке - высоко поднятый факел. На голове корона с 25-ю окнами, символизирующая земные драгоценные камни и семью небесными лучами, освещающими мир. Семь пикообразных острых шпилей олицетворяют власть над семью морями* и семью континентами**.

В основании скульптуры, где находится её же музей, на стене прикреплена бронзовая пластина со словами поэтессы Эммы Лазарус:

«Вам, земли древние, — кричит она, безмолвных
Губ не разжав, — жить в роскоши пустой,
А мне отдайте из глубин бездонных
Своих изгоев, люд забитый свой,
Пошлите мне отверженных, бездомных,
Я им свечу у двери золотой!»



Примечательно, что поэтесса через год после открытия памятника, в возрасте 38-ми лет внезапно померла. Видать, в её посвящении самому изображению что-то не понравилось. Мистика?

На открытии памятника, действующий президент Гроувер Кливленд произнёс следующую речь: «Мы всегда будем помнить, что Свобода избрала это место своим домом, и алтарь ее никогда не покроет забвение». Здесь запомним слово «алтарь».

Но вернёмся к объекту исследования. Судя по одеянию фигуры, а также названию, прообразом скульптуры послужила древнеримская богиня Либерта. Но … вот тут начинаются несоответствия. Дело в том, что богиня Свободы у римлян изображалась женщиной, держащей в правой руке рог изобилия, а в левой шапку, олицетворяющую отпущение на волю. Как раз вот шапка, была бы весьма уместна, так как в 1865 году принята поправка к Конституции США, запрещающая рабство.

А у какого божества может быть факел в руке? Оказывается это обязательный атрибут греческой богини Гекаты, властительницы лунного света, преисподней и всего таинственного. Богини ведьм, ядовитых растений и колдовских атрибутов. Властвующей на небе, земле и в аду. Иногда она изображалась даже с двумя факелами.
Кстати заметим, что при дневном свете факелы не нужны! А уж в преисподней без них никак, да и при лунном свете не помешают. Древние оставили нам ещё изображения Гекаты и с мечом, то есть в одной руке факел, в другой меч. Такая «подруга», правой рукой опирающаяся на меч, украшает купол Капитолия. И тоже носит название "Статуя Свободы».

В образе Гекаты у древних, есть элемент, полностью совпадающий со скульптурой Бартольди. Это прямые острые, торчащие в сторону, рога на голове. В символе США они уже стали «лучами».

А что же со скрижалью? Почему же не свиток и не книга? Первая ассоциация с Моисеевыми заповедями, но у того было две скрижали, тем более, что у римской(греческой!) богини не может быть иудейских символов.
Тогда вспомним вольных каменщиков – масонов, знаками которых изобилует город Вашингтон и даже долларовые купюры. Вспомним, что скульптор был масоном, да и президент Кливленд возможно тоже(не доказано). Теперь понятно, почему скрижаль именно каменная.
А вот как христианство относится к масонам: «Главная задача масонов — уничтожение религии и, особенно, христианства во всём человечестве и ниспровержение всех христианских законодательств.»(РПЦ 1993 год)

Разбираемся со скульптурой дальше. Семь лучей-рогов могут символизировать только одно – власть над материками и океанами. Что и подтверждают самые мощные в настоящее время на Земле вооружённые силы янки. Двадцать пять окон в короне означают: все богатства мира принадлежат США. Вспомним события двух мировых войн, когда европейское золото оказалось в Штатах, а страны, которым оно принадлежало, оказались ещё и в должниках. Да и ФРС США, созданная в 1913 году, позволила американцам без ограничения выпускать свои зелёные фантики, покупая за них всё.

Далее, спустимся к подножию статуи, к тому, на чём установлен пьедестал. Это одиннадцати угольная фигура основания. 11 — число чрезмерности в нумерологии. Христианские же вероучения считают число 11 греховным и омерзительным. Даже некоторые каббалисты(Мистическое средневековое учение в иудаизме, проповедовавшее поиск основы всех вещей в цифрах и буквах древнееврейского алфавита) полагают, что 11 — число вредоносное, поскольку связано с Кли-пот(богопротивные демонические силы, которые рассеивают божественный свет). То есть даже основание статуи никак нельзя признать угодным человеку, а уж тем более Богу.



Сейчас вспомним слова президента Кливленда: «… Свобода избрала это место своим домом, и алтарь ее никогда не покроет забвение». Что такое символизирующая «свобода» в американском понимании, мы уже знаем, поэтому обратим внимание на слово «алтарь». Алтарь, это жертвенник, а в роли жертвы – весь остальной мир.

Ну и повторим слова поэтессы Лазарус: «… Пошлите мне отверженных, бездомных, Я им свечу у двери золотой!» Написано именно у «двери»!( I lift my lamp beside the golden door!), а не у ворот(«gate» или «portal»). Но как мы знаем, у рая ворота(врата) и там светло! А двери у ада, и там темновато, надо светить.

Настало время рассмотреть лицо колосса. Эмигранты, вплывающие в залив Аппер, взирают на 93-метровую скульптуру снизу. Лик богини им кажется просто ничего не выражающей застывшей маской, без признаков эмоций. Но это только вид снизу. Если рассматривать обличье на уровне переносицы, как говориться глаза в глаза, то впечатление совсем иное. Сразу видится надменное, спесивое величие, даже проглядывается жестокость в низких надбровных дугах, и безразличие, подчёркнутое широким носом, а в форме губ угадывается брезгливость. Так изображать женщину можно только навсегда расставаясь с ней.

Ну и последнее. Вспомним Библию, обряд очищения. В нём фигурируют два козла. Одного приносят в жертву Богу, а на второго возлагают все прощённые, но тем не менее грехи, и отправляют(отпускают) в пустыню к Азазелю, падшему ангелу, помощнику Дьявола. « … и понесет козел на себе все беззакония их в землю непроходимую, и пустит он козла в пустыню.»(Лев. 16:22). Тут же напрашивается аналогия с нашей статуей.
Бартольди поначалу изготовил уменьшенную модель скульптуры, которая до сих пор находится в Париже - первый Божий козёл. По её образцу была изготовлена вторая, гигантская, статуя и отправлена за океан. Как бы Старый Свет возложил на неё все свои грехи и отпустил в пуст… , то есть в Америку. Вот он, второй козёл – отпущения. Кстати Азазель, с древнееврейского расшифровывается так: «аз» (козёл) и «азаль», уйти – то есть приблизительно «отпущенный козёл».

Но Азазель(США), не захотел быть облапошенным европейцами, и через три года после открытия основного символа Америки, в свою очередь подарил французам копию статуи высотой в 11,5 метров, которая установлена на берегу Сены, недалеко от Эйфелевой башни. Причём по просьбе американцев лицом на Запад – к своей старшей сестре. Как бы установлена связь Запада европейского с Западом американским. Что приносит эта связь, мы знаем – негативную гегемонию США во всём мире, при содействии вассальной Европы.

* Семь морей - образное выражение, с давних времён означающее Мировой океан в целом.
** Семь континентов - модель суши популярная в Китае, Индии и в англоговорящих странах.

Вильнюс, 20 июля 2016 года.